Rune Guneriussen: Connections, comunión de sentido

Los humanos hemos olvidado el llamado más importante que se nos ha hecho: el continuo reclamo del planeta. Somos parte de éste, sus huéspedes, no somos dueños de él y así es como lo plasma el artista conceptual noruego Rune Guneriussen, quien a partir de objetos ordinarios, pero estéticos, interpreta la convivencia de la humanidad y la naturaleza en instalaciones ordenadas armónicamente en escenarios naturales de su país, al cual conoce y ama sinceramente.

Sus numerosos viajes por Noruega le han brindado la clave crucial para aterrizar sus ideas previas a la ejecución artística, en la ubicación más fastuosa, generalmente en medio de la naturaleza virgen que aún se encuentra en su país.

Los cambios de clima y las estaciones ofrecen a Rune una comunicación directa entre su propia naturaleza y su arte. Muchas de sus obras se han modificado en el proceso debido al clima extremo y otras situaciones naturales, sin embargo, nada ha intervenido para cambiar el resultado de su sentir.

El proceso creativo de Guneriussen se engendra en sus objetivos artísticos. Él no señala una manera de leer sus obras, sino que prefiere indicar un camino que lleve a entender una historia.

rune guneriussen
Rune Guneriussen *Foto: stmoritzartmasters

En su serie Connections del 2006, los teléfonos blancos incorporan un comportamiento como especie humana y su proceder, no sólo implica convivencia, sino el sentir del uno con el otro en el lugar más puro y en el estado en el que se encuentran, abrazados y rodeados de agua, el elemento vital por excelencia, del que si no cuidamos, la vida humana podría acabar.

El color predominante en esta instalación es el blanco, un tono esencial y puro. La comprensión de la relación de los teléfonos, es la conexión comunicativa entre la naturaleza, los sentimientos y el sentido de supervivencia que por alguna razón personal y no sólo artística, Rune no decide plasmar con personas, sino con objetos que representan comunicación y expresión en un grado obvio.

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Connections (2006), Rune Guneriussen *Foto: runeguneriussen.no

Rune también realiza instalaciones con lámparas, sillas, libros y otros objetos, sin embargo, los teléfonos antiguos no son un elemento muy común u ordinario. Si hay algo que el artista comunica, es en definitiva el llamado que nos hace nuestro entorno natural, cada quién decide qué tipo de llamado recibe y si lo contesta.

Una vez que Guneriussen realiza las tomas fotográficas, desmantela las obras, sin dejar rastro de ellas. De esta manera, se podría interpretar nuestro devenir en el planeta. Para el artista, la humanidad ha cambiado dramáticamente, para mí también.

Rune Guneriussen
A multiverse explanation (2010), Rune Guneriussen

 

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Lee Jae-Hyo: La materia no se crea ni se destruye, sólo se transforma

Como antecedente a esta obra se encuentra un hecho, un tronco de madera con una esencia y forma natural. En algún momento su creador, un coreano proveniente de Hapchen, decidió tomar este tronco para transformarlo en una obra, a la cual nombró 0121-1110=109039, y no sólo la transformó, sino que la mutó con una pieza metálica para después colocarla en un espacio natural.

La obra de Lee Jae-Hyo tiene como antecedente una primera exploración dentro de discursos basados en el uso de materiales tomados de la naturaleza y la construcción de obras dentro de los espacios donde se encuentran estos, sin alteraciones profundas a su entorno.

Lee Jae-Hyo se ubica como creador de un mundo estético, existente a partir del mundo natural del que provienen los materiales que utiliza.

Lee Jae-Hyo
Lee Jae-Hyo, 0121-1110=109039 *Fuente: static.boredpanda

Cada movimiento que decidimos efectuar o no, aún estando estáticos, define nuestro camino. En el camino de cada uno está escrita una frase, aunque muy probablemente con lápiz. El hedonismo de cada ser humano y de cada artista, permite decidir sobre el destino que tenemos, no sólo nosotros, sino de la materia de nuestro entorno, materia que encontramos en la naturaleza y que no nos pertenece.

Cuando una obra como ésta, elaborada con materiales naturales, está ubicada en un espacio artificial como una galería o un museo, la obra añade un toque natural al espacio, un rasgo hedonista que hace presumir al lugar una belleza que por sí mismo, no posee.

Al contrario, cuando vemos una obra que pese a estar elaborada con materiales naturales, aunque procesada… como el caso de esta gran bola de troncos articulados con un centro metálico, la pieza parece ser aún menos natural y combinada con el espacio, encontramos una descontextualización significativa. No por esto, el espacio adornado con esta pieza de arte, deja de ser menos bello o más falso.

Pero lo que sí es real, es que ni el mejor artista puede pretender imitar la naturaleza con las mejores obras. Lee Jae-Hyo incorpora dos formas en esta esfera, una natural y una artificial, cosa que generalmente suele hacer en sus obras.

El dualismo entre lo artificial y lo natural es un elemento constante de varios artistas; las obras de Lee Jae-Hyo describen y ejemplifican el mundo natural, sin embargo, son piezas artificiales que han sido diseñadas y creadas por un humano.

Lee Jae Hyo
*Fuente: i.pinimg

La naturaleza, la transformación y la destrucción del planeta, es un proceso natural que el arte nunca podrá imitar a la perfección. Será un arte inspirado en la naturaleza, pero nunca un artista podría privar al planeta de su propio lenguaje.

Lo interesante es utilizar la naturaleza y a todos los medios posibles que brinda el planeta para que nuestro lenguaje sea aún más humano.

 

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El Minimum Monument de Néle Azevedo

La artista brasileña Néle Azevedo creó la instalación efímera “Minimum Monument” (Monumento Mínimo) como parte del Festival de Belfast de la Universidad de Queen al norte de Irlanda, también material de su tesis.

Nele colocó esta colección de cientos de hombres tallados en hielo —sin rostro ni identidad— en las escaleras del edificio de la aduana de Belfast como homenaje a las víctimas del Titanic.

Minimum Monument
Minimum Monument

No solamente en Belfast, desde el año 2005 y durante casi una década, Azevedo intervino algunas plazas públicas en diversas ciudades alrededor del mundo; las piezas de hielo fueron vistos en ciudades como Lima, Florencia, Berlín, La Habana, París, Singapur, Tokio y la Ciudad de México. La selección de las ciudades no fue hecha al azar. La artista hizo un estudio previo de cada lugar, con la intención de que contrastara con los monumentos de las mismas.

El nombre “Monumento Mínimo” está ligado al concepto contrario del monumento,  a sus escalas y procesos. En este, Néle no homenajea a ninguna persona en especial, está dirigido a personas comunes. Claramente, se quiebra el concepto de durabilidad, ya que este monumento es efímero y sólo perdura unos momentos.

En cada ciudad se ofrecen voluntarios para trabajar junto con la artista brasileña, a esculpir cada figura mediante un molde y se invita a las personas de cada sitio a colocarlas. Así, se tiene la participación de la gente en la construcción del proceso, como no se haría con un monumento oficial.

Minimum Monument
*Fuente: Blesok

Poco a poco, a medida que pasaba el tiempo, estos hombrecitos se fueron derritiendo hasta convertirse en agua y después desaparecer, como sucede con la vida ante las circunstancias del entorno. Ya sea por causas ambientales o no, todos somos tenemos el rasgo efímero natural. Así es como Azevedo interpreta el hielo en su tesis, un material poético que quiebra con el concepto del monumento.

En la antigüedad las monumentos eran construidos para recordarnos que somos finitos, que morimos. En esto, el discurso de Minimum Monument es el mismo, pues las piezas se desvanecen y sólo perduran en el recuerdo.

Estamos aquí, podemos estar estáticos y observar cómo nos derretimos o podemos derretirnos más lento a medida que nos movemos y hacemos algo en el mundo para sostenerlo y seguir habitándolo.

Minimum Monument
Minimum Monument *Fuente: Bored Panda

La obra es una poderosa expresión de la naturaleza transitoria entre la vida y la muerte.

En realidad, el cambio climático no fue el discurso conceptual inicial de la obra, aunque también fue interpretada como una advertencia sobre el calentamiento global; muchos la interpretaron como una crítica sobre el deterioro que los habitantes de la Tierra hemos causado en ella, poniendo en peligro la especie humana y muchas otras animales.

No cabe duda que cada pieza de arte puede ser interpretada de diferentes maneras, no solamente de una única manera, ya que cada proceso mental es particular.

Minimum Monument
Minimum Monument

 

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¿Qué es el arte ecológico?

Con motivo del Día mundial de la Ecología este 1º de noviembre, en Greendates, más allá de recordar las acciones que ya muchos conocemos para dar voz al planeta, lo celebramos con el arte y con las expresiones humanas que celebran la vida y la ecología.

El arte ecológico (arte ambiental o ecoarte) es la expresión artística que trata temas ecológicos o referidos al medio ambiente. Es una tendencia del arte contemporáneo que utiliza el marco y los materiales de la naturaleza. Recupera el uso de diversos materiales y los incorpora al quehacer artístico, no sólo para encontrar nuevos usos y nuevas formas de expresión plástica sino además con el propósito de provocar la reflexión a la sociedad sobre el consumo y los desperdicios que ésta genera, el deterioro del medio ambiente.

Son las obras que utilizan el entorno natural para expresar un tema relacionado con el mismo. El arte ecológico busca que el humano, quien aprecia estas obras, se vincule con la naturaleza o con alguna problemática que afecta al planeta a través de distintas disciplinas, como escultura, fotografía, pintura, teatro, literatura o danza.

arte ecológico
En el marco dela Conferencia de las Naciones Sobre el Desarrollo Sostenible Río+20 se instaló en la playa de Botafogo dos peces gigantes construidos con botellas de plástico e iluminados de noche con luces LED. *Fuente: Veoverde

Los artistas o exponentes que pertenecen a este movimiento y expresan su sentir sobre la fragilidad de la naturaleza, buscan hacer conciencia sobre la estancia o el paso del humano en la Tierra. Integran elementos de los ecosistemas, y no contribuyen a la degradación medioambiental. Utilizan materiales ecoamigables, como hojas, rocas, arena, ramas, troncos… sin afectar el entorno en el que se colocan.

Orígenes

Su origen se atribuye a la década de los sesenta, cuando el panorama sociopolítico que se vivían, dio inicio al despertar de la conciencia sobre el impacto del humano en el planeta. En esta época surgió el Land Art, una corriente que usa como marco los paisajes naturales sin alterar su equilibrio.

arte ecológico
*Wood Fire, Andy Goldsworthy.

Características

Se trata no sólo de abandonar el uso de materiales tradicionales sino de recuperar materiales o productos desechados para reutilizarlos y transformarlos en objetos nuevos; no eliminar, sino transformar.

  • Resalta las percepciones diversas de los artistas sobre una problemática en particular de la crisis ecológica.
  • Destaca la participación comunitaria, el diálogo y la comunicación para la conservación de los ecosistemas.
  • Genera consciencia sobre los problemas ambientales que se viven en el mundo.
  • Cuestiona la sobrepoblación, el mal aprovechamiento de los recursos, el consumo desmedido, el desecho de tóxicos, el abuso laboral, la extinción de especies, el agotamiento de bosques y las políticas ineficientes contra el cambio climático.
  • Fomenta actitudes y valores a favor de la conservación.

Precursores

Entre los precursores del arte ecológico se enlista un gran número de personalidades, como el escultor escocés Andy Goldsworthy, que desde hace un par de décadas ha hecho obras en bosques y cauces de ríos, sin más herramientas que sus manos.

arte ecológico
*Andy Goldsworthy

Otro expositor es Herman de Vries, un escultor holandés que arma obras con elementos naturales provenientes de distintas partes del mundo para resaltar la biodiversidad.

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*Herman de Vries

Así como ellos lo hacen, cada representación en la naturaleza brinda un mensaje de reflexión sobre las acciones que ejecutamos en la Tierra y que sin duda dejarán huella en el paso del tiempo.

 

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Ronald van der Meijs: Sound Architecture

Cinco mil campanas tendidas sobre la superficie natural, cinco mil sonidos que perdurarán mientras la gente los recuerde. El artista holandés Ronald van der Meijs creó Sound Architecture, una instalación que se integra a la naturaleza. La más reciente versión de la obra es Sound Architecture 7, gracias a Kunstenlab Deventer.

Una anterior, Sound Architecture 5 fue colocada en marzo del 2014 en Inglaterra, precisamente en Hannah Peschar Sculpture Garden, alrededor de algunos robles.

Sound Architecture
*Sound Architecture, Ronald van der Meijs.

Cada versión de esta obra se compone de cinco mil campanas de bicicleta extendidas sobre este jardín, a alturas distintas. La medida exacta entre una campana y otra no es importante para el artista, quien comprende que la exactitud ciertamente no es factor clave para generar un resultado exitoso.

Sound Architecture ha sido construida una y otra vez con las mismas campanas en diferentes locaciones y momentos. Probablemente la eternidad del sonido de éstas, provocado por el viento, sea el mejor testimonio que se tiene de la idea que concibió Ronald van der Meijs en su psique.

Los sonidos no son generados únicamente por el viento, otros factores de la naturaleza son de gran influencia, como la caída de las bellotas de los árboles, la intervención de la lluvia, de los animales e insectos en el campo, entre otras cosas. Una vez más, el arte depende de lo natural para poder ser.

La primera vez que van der Meijs concibió la idea de esta instalación fue en el otoño del 2001 en los Países Bajos, igualmente en un campo de hierba que se le otorgó entre esculturas conmemorativas. Ese otoño, la época hizo de las suyas para sacar lo mejor de Sound Architecture, pues al caer tantas bellotas se generó el sonido típico de miles de campanas titilantes que apremiaron a los espectadores dejando un rastro en su conciencia.

Sound Architecture
*Ronald van der Meijs. Sound Architecture

Ronald van der Meijs vive y trabaja en Ámsterdam, Holanda. Estudió diseño arquitectónico en la Academia de Artes St. Joost en Breda. Su trabajo ha sido expuesto en galerías y museos de Europa. Sus instalaciones en parques han cautivado a los espectadores.

 

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Gibbs Farm Park: las esculturas de Alan Gibbs en Nueva Zelanda

Tal vez muchos tienen la fortuna de poseer algún terreno con kilómetros de hectáreas, pero no todos tienen el privilegio de invitar a los más codiciados artistas de la época a decorarlo.

Ubicado al norte de Auckland, con vistas a Kaipara Harbour, en Nueva Zelanda, se encuentra el parque privado de Alan Gibs, un hombre adinerado de negocios, empresario y coleccionista de arte, quien, tras realizar la módica compra de un terreno de 400 hectáreas, decidió justamente, llamar a los más talentosos artistas para que estos participaran en la decoración del llamado “Gibbs Farm Park”.

Gibbs Farm Park es uno de los parques más importantes con esculturas en todo el mundo, cuenta con obras de personajes como Anish Kapoor, Bernar Veney, Leon van den Ejkel o Richard Serra. Lejos de ser éste un parque público o un museo, este es un jardín privado que permite visitantes en sus instalaciones con previa cita.

Una de las esculturas más famosa del parque se llama Horizons, del artista Neil Dawson. La originalidad de esta pieza consiste en su calidad de trompe-l´oleil o engaño a la vista. La escultura da la impresión de ser un papel colosal doblado por el vaivén, y que al observarlo a lo cerca, se nota su unidimensionalidad.

Gibbs Farm Park
Horizons, Neil Dawson. Gibbs Farm Park Vía Trendland

Otra obra impresionante dentro del Gibbs Farm Park es el gran megáfono rojo del artista Anish Kapoor, Dismemberment.

Gibbs Farm Park
Dismemberment, Anish Kapoor. Gibbs Farm Park

Así como la pared serpenteante de acero de Richard Serra, Te Tuhirangi Contour.

Gibbs Farm Park
Te Tuhirangi Contour, Richard Serra.

O la serie de cubos de hormigón de colores diseñada por Leon van den Eijkel, Red Cloud Confrontation in Landscape.

Gibbs Farm Park
Red Cloud Confrontation in Landscape, Leon van den Eijkel.

Otra gran obra es Pyramid por Sol LeWitt.

Gibbs Farm Park
Pyramid, Sol LeWitt.

Cada una de estas obras combina de manera muy peculiar en cada espacio, y los visitantes interpretan a su manera el mensaje que cada escultura representa.

Tal vez, si un día te encuentras de viaje en Nueva Zelanda, podrías ser afortunado de visitar el Gibbs Farm Park.

 

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El árbol de 40 frutas, una obra de arte de Van Aken

El árbol de 40 frutas es la creación del artista contemporáneo Van Aken, un árbol capaz de producir cuarenta diferentes frutas de hueso. La primera vez que Sam Van Aken vio ramas de árboles injertadas creciendo en otros árboles, le vino a la mente Frankenstein, el ser creado a partir de partes diversas de cadáveres diseccionados.

Cuando este proceso se convirtió una fascinación para Van Aken de tiempo completo, el profesor de arte de la Universidad de Siracursa no buscó crear un monstruo como el de Mary Shelley, sino una obra de arte.

Así fue como cada ejemplar del árbol de 40 Frutas produce más de cuarenta tipos diferentes de frutas de hueso, incluyendo duraznos, melocotones, ciruelas, albaricoques, nectarinas, cerezas y almendras.

El árbol de 40 frutas
El árbol de 40 frutas de Sam Van Aken

«Veo el árbol de 40 frutas como una obra de arte, un proyecto de investigación y una forma de conservación», mencionó Van Aken en una conversación en TEDxManhattan en el 2014.

Van Aken utiliza injertos para crear los árboles, es decir, corta los brotes de algún árbol de frutas y los inserta en las ramas laterales de un portainjerto hasta que forman parte del mismo.

Así, las ramas de los diferentes árboles de frutas crecen en el portainjerto, en el que son una variedad de árbol natural por el suelo y clima de la zona en donde éste se encuentra.

El proceso que implica permite que la fruta se cultive en áreas que de otra forma no admitirían ese tipo de árbol compuesto de variedades antiguas y nativas.

El árbol de 40 frutas. Van Aken
El árbol de 40 frutas de Sam Van Aken

El árbol de 40 frutas florece en tonos varietales del carmesí, rosa y blanco en primavera, y en verano llevan una multitud de frutas, como se observa en la imagen inicial.

Es una manera de reliquia, pues conserva variedades de frutas de la herencia que ya no se producen comercialmente ni están disponibles.

Van Aken ha plantado 16 árboles en siete estados a lo largo de Estados Unidos. «Cada espacio es único», dice Van Aken a la CNN acerca de los diversos terrenos privados, museos de arte y campus universitarios donde se cultiva el árbol de 40 frutas.

Años de diagramación le permitieron a Aken esculpir los árboles para que florecieran continuamente a lo largo de más de un mes. Después de una primavera de flores brillantes de colores rosa, blanco y carmesí, las ramas producen su propia e inconfundible fruta.

El árbol de 40 frutas. Van Aken
El árbol de 40 frutas de Sam Van Aken

Se espera que el próximo árbol sea plantado en el Children’s Discovery Museum of San Jose, el cual será la pieza central de la nueva expansión del jardín del museo.

Autumn Young, director de marketing del museo, dijo que el árbol será parte del programa de educación ambiental de la organización. «Esta es una oportunidad de enseñanza para que los niños interactúen con una pieza de arte que también produce frutas», dijo Young.

La plantación de los árboles en estos distintos sitios puede aumentar la diversidad de frutas de la zona, así como cumplir con la importante parte de la visión artística de Sam Van Aken.

 

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